Tragedia y depresión en el nuevo cine alemán

Al final de la Segunda Guerra Mundial, el país germánico vivió un periodo de depresión que se inscribió en imágenes a través del nuevo cine alemán. Destacan directores como Werner Herzog, Wim Wenders, Rainer W. Fassbinder, Volker Schlöndorff y Alexander Kluge. Presentamos un breve resumen de la importancia y obra de cada unos de estos exponentes cinematográficos.

1. Rainer Werner Fassbinder

Es el más importante representante del nuevo cine alemán Los temas recurrentes: la depresión de la postguerra, la reconstrucción de identidad nacional, incomunicación generacional y soledad. Fassbinder retrató a personajes acosados por la desesperación, miedo y desamor. Historias tortuosas de sueños incumplidos, deseos incomprendidos y convencionalismos aniquilantes. Apuntes acusatorios a la democracia en la Alemania de los setentas con sus imperfecciones políticas y morales. Fassbinder se desenvolvió como actor, editor y fotógrafo de cine; además de dirigir teatro y televisión de ahí la influencia teatral en su obra.

2. Werner Herzog

Desde los 17 años trabajó para financiar sus películas: fue soldador y hasta valet parking. Autodidacta de la dirección cinematográfica, debutó en 1963 con el cortometraje Heracles. A partir de su primer filme se establecen personajes recurrentes: antihéroes destinados al fracaso, hombres de personalidad avasallante ante un destino implacable. Ahí se ubican el soldado español de Aguirre, la Ira de Dios (1973) quien desafiando las órdenes del rey Felipe II se aventuró por el Amazonas en busca de El Dorado o el vampiro humano de Nosferatu (1979), cuya no vida se sofoca por un amor imposible.

3. Volker Schlöndorff

A los 15 años ingresó a la Escuela de Cine de París y de paso estudió Política y Economía. Asistente de Resnais, Malle y Melville, vería recompensado su entusiasmo cuando su largometraje debut: El Joven Torless (1966) fue premiado en Cannes. Las adaptaciones literarias de novelas como El Rebelde (1969) o El Honor Perdido de Katharina Blum reflejan la seducción por enfrentar a sus personajes en conflictos casi insalvables. El Tambor de Hojalata (1979) sobre un niño, Oskar, quien se niega a crecer enfadado por el mundo absurdo creado por los adultos conquistaría Cannes y el Oscar a la Mejor Película Extranjera.

4. Wim Wenders

Anhelaba convertirse en sacerdote, médico y hasta filósofo hasta que un paseo de Europa a América le brindó el reconocimiento internacional: París, Texas (1984), road movie que integraba los desiertos texanos como un personaje más del reparto ganó la Palma de Oro en Cannes. Después sería tocado por los ángeles en Las Alas del Deseo (1987), sobre dos seres celestiales que recorren un devastado Berlín y arriesgan la eternidad por amor. En su cine es palpable la presencia de la cultura estadounidense que irrumpió con fuerza en el estilo de vida europeo de la época y los viajes de introspección de los personajes.

5. Alexander Kluge

Kluge fue quien ideó y redactó el Manifiesto de Oberhausen. Asistió a Fritz Lang y 1966 dirigió su primer largometraje: Una Muchacha sin Historia. La protagonista era la antiheroína que veía frustrados sus esfuerzos por ser feliz. Su obra se caracterizó por el recurso de la voz en off, actitudes reflexivas de los personajes y la adición de recursos visuales como dibujos o filmes. Obras cruciales: Desesperados (1968) y Ferdinand, el Radical (1979).